Raffaello Celommi (Firenze 1881-Roseto 1957) ripropose  gli stessi temi paesaggistici del padre in una pittura che oggi, a volte, si distingue a fatica: marinai, lancette, paranze, donne in attesa del ritorno delle barche, con i piedi scalzi, affondati nella sabbia e mare e collina avvolti in colori “carezzevoli” che pure suggeriscono un po’ l’apprensione per ciò che da un momento all’altro potrebbe compromettere la benevolenza climatica della natura. Spesso è rappresentata la coralità del lavoro dei pescatori e magici appaiono i gesti e le movenze dei corpi degli uomini, accordati, per consuetudine antica, nel “rito” della raccolta delle reti o dell’inizio della pesca. Nonostante Raffaello Celommi, schivo e riservato, si tenesse lontano da mostre ed esposizioni, fu sollecitato da richieste che pervenivano da tutte le parti d’Italia e quindi la sua produzione artistica fu notevole non solo per qualità ma anche per quantità.

Non è più la riproduzione della natura ma la riaffermazione dechirichiana della assoluta autonomia dell’arte rispetto ad essa. Quando sulla sua tela appare un pescatore, d’obbligo ma inadeguato l’accostamento con quelli di Pasquale e Raffaello. Nessun rito collettivo, nessun armonico accordo tra i fisici giovani e abbronzati e la generosa natura, dispensatrice di cibo e quindi di vita, nessun paesaggio o abbigliamento amorosamente dipinto nel desiderio, forse ingenuo, di esaltare la propria terra e le proprie tradizioni.

La tela è altro e non risponde che alle esigenze dell’arte. Ma perde Riccardo “il nitore delle tinte e l’esattezza delle proporzioni” quando passa ad una pittura volta soprattutto alla figura umana. I colori si fanno meno tersi e definiti, le forme si smembrano e si ricompongono lasciando spesso spazio al ricordo di architetture rinascimentali o orientali, preziosi contenitori di corpi, volti, arti che stentano a trovare univoca identità: una pittura figurativa di forti contenuti psichici, mitici e culturali. In Percorsi della figura ha scritto Ruggero Savinio, pittore e scrittore, nipote del citato De Chirico: “ Le belle figure intatte e radiose! Era la stagione classica, sponda perduta, paradiso di un’integrità dalla quale le figure sono ormai escluse per sempre (….). Adesso le figure si impigliano nello sfondo, vi restano avviluppate tanto da non riuscire ad emergerne completamente, ma giacciono semi affondate nel groviglio dei colori e in quella che i pittori chiamano materia”[2].

Pur essendo la sua una pittura completamente diversa c’è la stessa ansia, insoddisfatta, a definire e trovare, con coerenza estetica, la figura: Savinio cerca di farla affiorare dall’ombra, Celommi da una babele di visioni più mentali che sentimentali. Una cascata di rossi e di azzurri aumenta la tensione dei suoi quadri: un senso di vertigine ci impedisce di decodificarne a pieno il senso e diventa ammissione sconsolata della fine della metafisica. È pittura postmoderna: negazione del senso della storia, dell’unicità, della fiducia nella scienza e nella tecnologia. In queste opere Celommi si dibatte in un labirinto di riferimenti, di modelli linguistici e di stimoli iconici, condizione per certi versi affascinante ma che ovviamente a lungo andare crea il rischio di una crisi di identità nel suo linguaggio artistico. Ecco allora che negli ultimi anni Riccardo Celommi pazientemente e coraggiosamente ha iniziato un altro tipo di pittura sempre volto al recupero della figura.

A partire dagli otto Ritratti in blu del 2003 la sua tela accoglie immagini ridotte all’essenzialità, impossibili da identificarsi appieno eppure diverse una dall’altra. Suggeriscono l’idea di negativi di foto tessera: spontanea la riflessione sull’impossibilità di affermarsi totalmente come chiara identità originale in un’era di globalizzazione che anziché proporsi come accentuazione di sensibilità e di ascolto delle differenze fa diventare il mondo un luogo senza luogo e un tempo senza tempo. Il colore è, non a caso, rastremato: qui solo toni di grigio bluastro che nella loro pochezza esprimono la difficoltà dell’artista a comunicare certezze. Così Montale in una delle poesie più note del nostro Novecento:

“Non chiederci la parola che squadri da ogni lato l’animo nostro informe… Non domandarci la formula che mondi possa aprirti, sì qualche storta sillaba e secca come un ramo. Codesto solo oggi possiamo dirti, ciò che non siamo, ciò che non vogliamo”[3]

Ancora postmoderna, comunque, in Riccardo, questa impossibilità di andare oltre il “qui e ora”. All’origine del postmoderno si dice comunemente ci sia anche la crisi del mito del progresso che inizia con l’esperienza tragica delle due guerre mondiali. Questo induce per quanto riguarda la riduzione dell’elemento cromatico compiuto nelle ultime opere di Celommi a riflettere sulla finestra matissiana coperta di nero (e siamo nel 1914) e alla rinuncia al colore di Picasso nella ormai mitica Guernica che preannunciò la barbarie della seconda guerra mondiale.